Publiée le 23 July 2025

On sait tous que le cinéma, les séries et même les vidéos qu’on regarde sur YouTube ont ce pouvoir incroyable de nous faire voyager. Mais au-delà du simple divertissement, l’image est un formidable outil d’apprentissage. C’est comme un super pouvoir que l’on ignore souvent. T’as déjà regardé un film et, après, tu t’es retrouvé à googler des choses randoms ? Genre, après avoir vu Les Dents de la Mer, tu t’es dit “Ok, mais c’est quoi un mégalodon ?”. Si ça t’est déjà arrivé, tu n’es pas seul. L’image a cette capacité de nous transporter dans des univers nouveaux, de nous apprendre des choses qu’on n’aurait jamais imaginé apprendre, juste en regardant un écran.

Regarde, c’est simple : si tu ne savais pas comment était la vie à Paris au début du XXe siècle, tu pouvais soit lire un livre, soit regarder Midnight in Paris de Woody Allen. Et boum, en une soirée, tu voyages dans le temps. (Bon après c’est quand même mieux de se renseigner car des fois c’est pas totalement ça !)

N’est-ce pas fascinant de découvrir des vies qu’on n’a jamais vécues, des luttes qu’on ne comprend pas forcément, mais qui nous parlent d’une manière ou d’une autre ? Cercle des Poètes Disparus ? Un film qui t’apprend la valeur de la liberté de pensée dans un monde d’autorité. La série Mixte, elle, te plonge dans les défis du passage au mixte dans les lycée, un sujet super actuel, qui traite des luttes sociales tout en étant accessible et bien ficelé.

Les films ne sont pas là juste pour te faire rêver, bien que, soyons honnêtes, rêver c’est déjà pas mal. Mais ils ouvrent aussi des pistes pour comprendre le monde. L’histoire devient vivante. C’est comme ça qu’on apprend, sans même s’en rendre compte. Chaque image, chaque scène, chaque mot sur un écran peut éveiller une réflexion profonde, t’amener à poser des questions sur ta propre vie, sur la société, ou même sur l’avenir.

Le Cinéma et la Formation : L’Avenir du Métier

Mais là où ça devient encore plus intéressant, c’est que le cinéma ne se contente pas de nous montrer des mondes imaginaires. Aujourd’hui, il devient un véritable terrain de formation :

Les avancées technologiques, comme les VFX, l’animation 3D ou les nouvelles techniques de prise de vue, transforment chaque film en une aventure visuelle. T’as vu les progrès de la motion capture, non ? C’est fou comment on peut rendre un personnage en effets spéciaux numériques, aussi vivant qu’un acteur réel !

Et puis, le rôle des coordinateurs d’intimité sur les plateaux, rôle important. Ce métier, qui veille à la sécurité des scènes de nudité ou de violences physiques, est un exemple de la manière dont le cinéma évolue pour être plus respectueux et responsable. Et pour ceux qui cherchent à entrer dans ce monde fascinant, sachez qu’il existe maintenant des formations spécifiques. C’est l’avenir de la profession qui se construit maintenant, et c’est pour notre génération.

Apprendre avec le Cinéma : Pourquoi ça fonctionne ?

Pourquoi est-ce que l’image est aussi un excellent moyen d’apprentissage ? Parce qu’elle capte notre attention. les cerveaux sont câblés pour réagir à ce qu’on voit. Que tu sois en train de regarder un documentaire sur l’écologie ou un film d’action, tu es connecté d’une manière que l’info écrite ou parlée n’arrive pas toujours à égaler. Regarde Les Misérables de Victor Hugo, un livre super épais, un peu dense parfois… Mais après l’adaptation cinématographique, t’as capté la dimension sociale du récit à fond. Le visuel est un raccourci vers la compréhension.

Et soyons réalistes, on apprend mieux quand c’est fun, non ? Un film te permet d’absorber des informations tout en étant diverti. Ce qui rend l’apprentissage plus digeste. Tu vois, même les blagues qu’on fait entre potes sur les films ont une place ici. Un bon film ou une série qui te fait réfléchir, c’est comme un cours de philosophie mais avec des explosions et des scènes d’action en bonus. On va pas se mentir, c’est plus captivant qu’un PowerPoint, non ?

Pourquoi il faut Rester Curieux ?

Outil d’apprentissage certe, mais il faut garder un esprit critique face à ce qu’on voit. Si les films nous captivent et nous offrent des récits fascinants, ils romancent souvent la réalité. Prenons F1, un film captivant mais rempli d’erreurs techniques que seuls les vrais passionnés de Formule 1 remarqueront. Ou Titanic, un drame historique qui, bien qu’inspiré d’un événement réel, invente l’histoire d’amour de Jack et Rose. Ces films peuvent nous enseigner des faits, mais ils les adaptent pour raconter une histoire. C’est là qu’intervient notre curiosité : après un film, il est essentiel de chercher à en savoir plus, de distinguer la fiction de la réalité. Le cinéma peut être une source d’apprentissage, mais il ne doit pas être la seule. Restez curieux et allez au-delà de l’écran pour découvrir la vérité !

Lelia Tostivint

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Publiée le 8 July 2025

Le Comte de Monte-Cristo

Alors oui, c’est un classique ! On en parle encore, mais franchement, qui n’est pas fier d’un excellent film français ? Avec Pierre Niney qui incarne à merveille Edmond Dantès, cet ange de l’injustice et de la vengeance, le jeu des acteurs.ices est tout simplement époustouflant.

La photographie, magnifiquement travaillée, et la bande-son qui vous coupe le souffle, ajoutent à l’intensité du film. Franchement, le film produit par Chapter 2 (les producteurs des Trois Mousquetaires) est une véritable œuvre authentique. On voyage non seulement avec les personnages, mais aussi à travers les paysages splendides de la France !

Anora

Un Pretty Woman revisité, mais dans une version plus réaliste et sombre. Un sujet qu’on connaît bien, mais qui, étonnamment, ne nous lasse jamais. Le film prend son temps, tout en étant dynamique, et ça, on adore. Un jeu de couleurs saisissant, oscillant entre euphorie et réalisme, amour et illusion, liberté et responsabilité. Ce film ne se contente pas de mélanger les couleurs, il fusionne aussi les langues, les univers, tout en offrant une direction artistique et un personnage principal profondément complexes. Un film qui a marqué le Festival de Cannes en 2024 et puis, il fallait bien inclure un film Le Pacte.

Thunderbolts*

Les anti-héros, ça fonctionne. Pourquoi ? Parce qu’ils sont humains, avec des défauts. Ce film aborde la santé mentale et est sorti pendant le mois dédié à cette cause. Thunderbolts* réunit plus qu’une équipe mais une famille. Avec des scènes d’action dignes des anciens Marvels, des personnages plus complexes, et une bande-son absolument folle (Bucky a enfin trouvé sa musique de super-héros). Alors oui, c’est un film de super-héros, mais c’est surtout un film qui fait du bien et nous rappelle que l’on n’est pas seuls.

La Plus Précieuse des Marchandises

Réalisé par Michel Hazanavicius, ce film est une œuvre d’animation bouleversant sur la Seconde Guerre mondiale. Adapté du roman de Jean-Claude Grumberg, il raconte l’histoire de deux êtres qui tentent de se protéger dans un monde dévasté. Il touche à l’innocence même, un enfant un être à protéger. Avec une cinématographie poignante et une bande-son inoubliable, le film nous touche profondément. Porté par des voix comme celles de Jean-Louis Trintignant et Dominique Blanc, il rappelle l’importance du souvenir. Un film essentiel, qui mérite sa place.

Mémoires d’un escargot (Memoir of a Snail)

Réalisé par Adam Elliot, ce film d’animation en pâte à modeler casse les codes. Ce long-métrage australien, destiné à un public adulte, raconte l’histoire de Grace Pudel, une jeune femme solitaire passionnée d’escargots, qui trouve un nouvel élan après la perte de son père et la séparation avec son frère jumeau, grâce à sa rencontre avec Pinky, une octogénaire excentrique. Le film se distingue par son esthétique unique, mêlant minimalisme et folie. Mémoires d’un escargot est une exploration touchante de la résilience humaine et de la quête de soi. Un film profondément émouvant, qui s’impose comme un chef-d’œuvre.

Dragons

Si vous avez aimé l’animation, vous allez adorer le live action. Il a été placé ici pour sa prouesse technique, avec des VFX et des effets spéciaux parfaitement réussis. Les dragons sont incroyablement réalistes. Visuellement époustouflant, le film nous plonge dans un univers où la mythologie nordique se mêle à l’amitié. La séquence de vol est parfaitement réalisée, offrant un bel hommage à l’original. La bande-son originale reste aussi puissante que jamais. Un excellent remake live action, fidèle à l’animation (en même temps même réalisateur, Dean DeBlois), qui parvient à séduire aussi bien les adultes que les enfants. Preuve qu’il est possible de réussir un remake tout en restant fidèle à l’œuvre d’origine.

Beetlejuice Beetlejuice

He’s back ! Que ce soit avec son univers déjanté ou sa direction artistique ultra-colorée, Tim Burton ne cache pas son talent. L’humour noir et les situations absurdes sont bien présents ! On retrouve des clins d’œil au premier film, une musique électro-gothique et, bien sûr, le style Burton qui nous fait vivre dans son monde décalé de morts-vivants. Les acteurs du premier film sont de retour, avec en prime la talentueuse Jenna Ortega. Michael Keaton est plus que parfait dans son rôle, et la magnifique Winona Ryder ajoute une touche magique. Un vrai délice, à la fois étrange et captivant. On a hâte de découvrir le prochain opus pour clore cette saga !

Partir Un Jour

Ce film d’Amélie Bonnin met l’accent sur l’aventure humaine et l’évasion. Partir Un Jour raconte l’histoire d’une jeune femme en quête de sens qui décide de tout quitter pour partir à l’aventure. Entre paysages désertiques et forêts luxuriantes, la caméra capte chaque émotion, chaque souffle de vent. Un appel à l’évasion et à la recherche de soi, soutenu par une bande-son envoûtante qui vous prend aux tripes. Un court-métrage devenu film, qui raconte plus qu’il en y parait, un film qui se fait se demander “Qu’est-ce que je veux vraiment ? “

Superman

Dans une version plus humaine et plus colorée du super-héros classique, James Gunn rend hommage aux comics de Stan Lee. Ce n’est pas seulement un super-héros américain, mais un être plus vulnérable, qui aspire à la paix pour tous. Lois Lane, avec son caractère bien trempé, apporte une vraie touche de fraîcheur. Le film est un véritable cri de liberté, un mélange de punk rock, d’espoir et d’humanité. Et si vous aimez les chiens, vous allez adorer Krypto. Quant à la musique de Hans Zimmer, elle transforme chaque instant en un moment intemporel !

L’Amour Ouf

L’Amour dans tous ses états, mais version 2025 ! Réalisée par Gilles Lellouche, L’Amour Ouf est une comédie romantique qui déconstruit les clichés. L’histoire est à la fois drôle et d’une sincérité qui touche profondément. Encore un film d’amour ? Non, un film avec une vraie cinématographie, une direction artistique soignée, des plans qui feront rêver certains d’entre vous, et des couleurs pleine de sens. Les plans-séquences sont d’une grande finesse et, surtout, le film respecte à la fois les spectateurs cinéphiles et ceux qui ne le sont pas.

Lelia Tostivint

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Publiée le

Ah, le Festival de Cannes ! Ce rendez-vous mythique où le cinéma mondial se donne rendez-vous, où les stars défilent sur un tapis rouge plus long qu’une soirée Netflix, et où les dramas coulent à flot… autant à l’écran que dans les coulisses. Mais au-delà des flashs et des robes de gala, ce festival a une histoire aussi riche que… parfois rocambolesque.

La revanche sur Venise

En 1938, un député français propose de créer un festival international plus démocratique… mais surtout plus français. C’est en 1939 que Cannes a été créé. Oui, tu as bien lu : juste avant la Seconde Guerre mondiale. Pas le meilleur moment pour organiser un festival international.

Pourquoi Cannes ? Parce que Venise, le festival « cool » de l’époque, avait tendance à privilégier les films italiens (le favoritisme, tu connais). Alors la France a décidé : “Ok, on va faire pareil, mais en mieux.”

Le premier festival a été annulé à cause de la guerre (comme si on ne l’avait pas vu venir). Mais en 1946, Cannes est enfin lancé pour de bon. Et là, c’est la fête… même si à l’époque, il fallait un ticket pour voir les films (et pas un pour le tapis rouge, on est encore loin du glamour). Le festival est un véritable feu d’artifice culturel : premières projections publiques, jury international, et des films venus du monde entier. Mais attention, c’est loin d’être la fiesta permanente : on est en pleine guerre froide, et la politique se mêle déjà du festival. Certains films soviétiques ou américains sont boycottés, et le festival devient un terrain de jeu diplomatique.

Les années 60-70 : entre art et contestation

Cannes, c’est aussi le berceau de la Nouvelle Vague française, avec des cinéastes comme Godard, Truffaut ou Rohmer qui chamboulent les codes du cinéma. C’est là que le cinéma devient audacieux, casse les règles et provoque.

En 1968, le festival est carrément suspendu à cause des événements de Mai 68 en France. Les réalisateurs, à la place de remettre des prix, ont préféré faire grève pour protester. Oui, Cannes a eu son “lockdown” bien avant tout le monde. Ce moment montre que le festival n’est pas qu’une vitrine, mais un lieu où la contestation politique se mêle au cinéma.

Dans les décennies suivantes, Cannes devient la scène idéale pour lancer des carrières internationales. Des acteurs comme Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, ou plus récemment Marion Cotillard ont foulé son tapis rouge. Mais Cannes, c’est aussi une usine à scandales : disputes entre réalisateurs, films censurés, jurys divisés, robes trop courtes ou trop extravagantes, ou stars qui oublient de remercier le jury (traître !). … Chaque année, Cannes, c’est aussi un soap opéra à ciel ouvert.

Aujourd’hui ,

Cannes, c’est LE lieu où se mélangent les genres, les cultures et les talents. Des blockbusters hollywoodiens aux films d’auteur plus intimistes, tout le monde peut (en théorie) trouver sa place. Le festival essaie aussi de devenir plus inclusif et engagé : plus de films de réalisatrices, plus de sujets sensibles abordés, plus de débats sur l’avenir du cinéma. Bon, il reste encore du boulot, mais les mentalités bougent. Et puis, Cannes, c’est aussi une énorme machine économique : hôtels blindés, soirées ultra privées, deals à plusieurs millions, et… selfies impossibles à éviter.

Malgré ses défauts et son côté parfois trop bling-bling, Cannes reste un carrefour incontournable du cinéma mondial. C’est là que les films qu’on va adorer (ou détester) sont révélés au grand public. C’est aussi un laboratoire de tendances : quels sujets, quels styles, quelles stars émergent ? Quel cinéma va faire vibrer les prochaines années? Et surtout, Cannes, c’est un peu le festival du rêve, où le septième art est célébré dans toute sa splendeur, avec ses hauteurs de vue et ses dérapages bien humains.

Lelia Tostivint

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Publiée le 25 June 2025

Le cinéma, c’est avant tout une histoire de transmission. De gestes, de regards, de voix passées de génération en génération. Derrière chaque image qui captive, chaque émotion qui bouleverse, il y a des “mamans” et des “papas”, pas ceux qui jouent ou dirigent, mais ceux qui portent la mémoire, la passion, et la force invisible du 7e art.

Les Mamans du cinéma

Elles portent en elles la capacité rare d’ouvrir le cœur des histoires. Qu’elles soient réalisatrices, scénaristes, ou simplement premières admiratrices, elles insufflent une humanité profonde aux récits. Dans leurs mains, les mots prennent vie, les silences deviennent palpables, et les personnages se dévoilent dans leur fragilité et leur grandeur.

Mini zoom : Agnès Varda, la “grand-mère de la Nouvelle Vague”

Pionnière et artiste sensible, Agnès Varda a su bousculer les codes du cinéma avec douceur et audace. À travers ses documentaires et fictions, elle a raconté les vies ordinaires avec une poésie unique, mêlant engagement politique et tendresse humaine. Son œuvre, pleine de regards bienveillants et de curiosités infinies, nous rappelle que le cinéma est aussi un acte d’amour porté aux invisibles, aux oubliés, aux femmes, aux marges.

Les Papas du cinéma

Les papas du cinéma construisent des mondes. Ils sculptent la lumière, orchestrent les mouvements, dessinent l’espace. Ils sont souvent ceux qui initient, qui préparent le terrain, qui veillent sur les fondations du récit. Leur héritage, c’est une invitation à voir autrement. Des visions audacieuses de Kubrick à des envolées émotionnelles de Coppola, ou encore des explorations intimes d’un Terrence Malick.

Mini zoom : Jean-Luc Godard, le révolutionnaire de l’image

Icône de la Nouvelle Vague, Godard a bouleversé les règles du cinéma avec son style inclassable et son regard politique incisif. Ses films déstructurent le récit, jouent avec le montage, et interrogent le spectateur sur le sens même du cinéma. En père du cinéma moderne, il a montré que l’image est aussi un langage, une arme, une poésie en mouvement. Godard, c’est l’art de faire du cinéma un acte de liberté et de pensée critique.

Le cinéma finalement c’est un peu une famille ! Au-delà des rôles, le cinéma se vit comme une famille fragile et passionnée, où chaque membre apporte sa pierre à l’édifice. C’est une alchimie entre force et vulnérabilité, autorité et tendresse, maîtrise technique et poésie. À travers eux, nous comprenons que réaliser un film, c’est un acte d’amour, un don où l’on transmet un fragment d’humanité, une part de vérité, un éclat d’éternité.

Donc en cette fête des mères et des pères, célébrons ces bâtisseurs silencieux, ces passeurs de rêves, ces gardiens du feu sacré du cinéma. Ils nous rappellent que, derrière chaque chef-d’œuvre, il y a une histoire d’héritage, de confiance, et surtout d’amour. Parce que le cinéma, au fond, c’est ça : un regard que l’on reçoit, que l’on transmet, que l’on partage.

Bonne fête aux mamans et papas du cinéma, celles et ceux qui font battre le cœur du grand écran.

Lelia Tostivint

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Publiée le 7 June 2025

Alors, vous rêvez de réaliser LE film qui fera vibrer le monde, mais votre portefeuille ressemble plus à un désert aride qu’à Hollywood Boulevard? Pas de panique ! Financer un film, c’est un peu comme un jeu de stratégie où chaque pièce compte.

• Le financement perso : vous êtes votre premier producteur

Oui, la base c’est vous. Si vous avez de l’argent de côté, c’est le moment de le sortir (ou de gratter votre livret A). Autofinancer son film, c’est la preuve que l’on croit à fond dans son projet. Attention : on n’est pas obligé de vendre sa console ou sa voiture. Le cinéma, ce n’est pas une question de sacrifice extrême (enfin, pas tout le temps).

• Les amis, la famille, les cagnottes…la solidarité, ça paie !

Famille & amis : souvent prêts à filer un coup de main.

Crowdfunding (Ulule, KissKissBankBank, Kickstarter, Kagnotte, Lydia, HelloAssos…) : la méthode 2.0 où vous présentez votre projet et les gens qui adorent peuvent vous donner de l’argent, une bonne technique pour créer une communauté et valider une idée. Mais ça demande du travail pour convaincre et partager partout.

• Les aides publiques : vive la collectivité !

En France, de nombreuses aides sont disponibles pour soutenir le cinéma. Le Centre National du Cinéma (CNC) accompagne les projets à toutes les étapes : premiers films, développement, production, et bien plus encore.

Les régions et collectivités locales proposent des subventions attractives pour encourager les tournages sur leur territoire. À l’échelle européenne, des dispositifs comme le programme MEDIA viennent renforcer ce soutien aux films européens.

Ces aides sont précieuses, mais il faut savoir faire preuve de patience, préparer soigneusement son dossier et surtout soigner son pitch pour maximiser ses chances.

• Les producteurs : les investisseurs du rêve

Un producteur, c’est un peu le banquier du cinéma… mais en plus cool (en principe). Il investit, organise la production et espère que votre film rencontrera le succès.

Trouver un producteur, c’est souvent passer par des pitchs, des festivals et des réseaux professionnels. Ils veulent être convaincus que vous maîtrisez votre projet, alors préparez-vous à montrer que vous avez une vraie vision.

Mais restez vigilant : le monde du cinéma peut aussi réserver des pièges, alors méfiez-vous des arnaques !

• La prévente et les partenariats : vendre l’avenir

Vous pouvez aussi vendre les droits de diffusion de votre film à une chaîne TV ou une plateforme avant même qu’il soit fini (ou commencé). C’est la prévente. Et puis, pourquoi ne pas chercher des partenariats avec des marques ou des institutions ? Parfois, elles sponsorisent votre film en échange de visibilité.

Lelia Tostivint

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Publiée le 15 May 2025

Vous connaissez cette sensation ? Vous êtes installé·e devant votre carnet, votre clavier, ou même une caméra, et… rien. Nada. Le vide intersidéral. Bienvenue dans l’univers terrifiant (et un peu relou) du syndrome de la page blanche. Spoiler alert : ce n’est pas que pour les auteurs de livres. Oui, chers scénaristes, réalisateurs, musiciens, et même techniciens, vous pouvez aussi tomber dans cet abîme créatif. Mais no panic : on va en parler, en rire, et surtout trouver comment en sortir. 

Mais qu’est-ce que c’est que cette histoire de “Page Blanche”? 

D’abord, posons les bases. La maladie de la page blanche, c’est ce moment où votre cerveau déclare forfait. Vous avez envie d’écrire cette scène incroyable, de composer cette mélodie, ou de visualiser ce plan magistral, mais… rien ne vient. Et vous restez là, à fixer le vide, comme si une solution allait sortir de votre cafetière (spoiler : elle ne sortira pas). 

Pour les scénaristes, c’est ce moment où vous vous demandez si votre personnage devrait vraiment ouvrir cette porte. Les réalisateurs, c’est le doute existentiel sur le choix d’un angle de caméra et pour les musiciens, c’est le désert harmonique où même le do ré mi refuse de coopérer. 

Le pire ? On se sent souvent seul dans cette galère. Mais je vous rassure, on est beaucoup dans le même bateau… qui rame. 

 

Suis-je atteint de la page blanche ?

Le syndrome du fichier vide : Vous ouvrez votre logiciel et il reste ouvert. Vide. Pendant des heures. Avec vous qui mangez des chips devant.

La sur-analyse : Vous passez 45 minutes à débattre avec vous-même sur un mot ou un détail insignifiant.

Le scénario catastrophe : Vous imaginez que tout ce que vous produisez sera critiqué, rejeté ou, pire, ignoré. (Merci l’anxiété.)

La procrastination : Vous avez soudain une envie irrésistible de ranger votre bureau ou de regarder des vidéos de chatons. Vous vous reconnaissez ? Alors félicitations, vous êtes officiellement un·e créatif·ve normal·e. 

 

Pourquoi ça arrive ? La page blanche a plein de coupables. Voici quelques suspects principaux : 

La peur de l’échec : Et si ce que je faisais était nul ? (Indice : c’est rarement aussi mauvais qu’on le pense.)

La pression : Vous devez produire vite, bien, et avec une inspiration divine… mais vous êtes humain.

Votre côté perfectionnisme : Vous voulez que tout soit parfait dès le premier jet. Spoiler : ce n’est jamais parfait du premier coup.

Il faut dormir ! (manque de repos) : Parfois, votre cerveau a juste besoin d’une pause. 

 

Comment s’en sortir ? (Parce que bon, faut avancer quand même) 

Acceptez l’imparfait : Le premier jet n’est jamais parfait. Et c’est OK. L’important, c’est de commencer.

Changez d’angle : Si une scène ou un passage vous bloque, attaquez un autre aspect du projet. Revenez-y plus tard avec un regard frais.

Laissez-vous inspirer : Regardez un film que vous aimez, écoutez une playlist inspirante, ou baladez-vous. Parfois, une idée naît au moment où on s’y attend le moins.

Fixez des limites de temps : Travaillez par tranches de 25 minutes avec une pause (la méthode Pomodoro). Cela crée un rythme et réduit l’angoisse du temps qui passe.

Partagez : Parlez à un·e collègue ou un·e ami·e de votre blocage. Parfois, expliquer un problème suffit à le résoudre.

ET SURTOUT MON PREFEREEEEEEEEE :

Dédramatisez : Ce n’est pas grave de bloquer. Cela arrive à tout le monde, même aux plus grands. (Oui, Spielberg aussi.) 

 

La maladie de la page blanche, ce n’est pas une fatalité. C’est juste une étape dans le processus créatif. Alors, respirez un bon coup, écrivez un mot (même si c’est « bonjour »), filmez une scène (même si c’est votre chat), composez une note… Bref, commencez quelque part. Parce que, comme disait un sage (probablement quelqu’un de très inspiré) : « Ce n’est pas le premier pas qui compte, mais celui que vous faites juste après. » 

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Publiée le 3 May 2025

Après des études de gestion dans une école où il se sentait « comme un fantôme », Tristan Séguéla décide de se consacrer à sa vraie passion : l’image. Débrouillard, il s’empare d’un camescope Sony et se lance dans de petits documentaires, tournés avec les moyens du bord. « Le plus important, c’est que je faisais », dit-il. « Je me sentais encore très loin de la fiction et le cinéma me semblait un territoire lointain. » En 2000, il traverse les États-Unis pendant trois mois pour filmer la campagne présidentielle : ces images deviendront November, USA, documentaire de 52 minutes autoproduit et vendu à la chaîne Canal Jimmy. Une première victoire pour le jeune réalisateur.

À partir de là, il se passionne pour le documentaire politique. « J’avais beaucoup d’admiration pour Raymond Depardon et Errol Morris et, de manière générale, les documentaristes d’observation », reprend-il. En 2001, il propose de suivre Lionel Jospin, pendant la campagne présidentielle : Les Communicants (2003), diffusé sur France 5, est très accueilli par la presse. « J’avais montré le film à la journaliste Raphaëlle Bacqué, du Monde, et elle avait consacré toute la Une du journal au film. Ça m’a donné une grande confiance que le documentaire soit reconnu. »

Dans le même temps, pour gagner sa vie, Tristan Séguéla tourne des clips et des publicités. C’est ainsi qu’il devient réalisateur attitré du DJ Martin Solveig avec qui il lance une série de petits films diffusés – Smash – diffusés sur YouTube. « C’était le début de YouTube et la série, tournée dans des décors incroyables, a eu un grand retentissement », poursuit Séguéla. « Je suis alors passé du camescope à l’appareil photo Canon 5D avec lequel j’ai fait tous les clips de Martin. » L’occasion, aussi, de se frotter à la fiction : « Martin voulait que je mette en scène de petites saynètes de comédie, dont j’étais l’unique cadreur et preneur de son, et le canal 5D me permettait d’avoir un ‘style cinéma’. » Le succès est tel que certains épisodes de Smash recueillent plus de 100 ou 150 millions de vues.

Remarqué par un producteur de cinéma qui recherchait un réalisateur pour un premier long métrage, il commence par refuser le projet car il n’a pas envie de s’embarquer dans une comédie. Mais il se ravise et finit par tourner le film, 16 ans ou presque (2013), avec Laurent Lafitte. C’est d’ailleurs sa rencontre avec ce dernier qui donne naissance au projet sur Bernard Tapie… qui mettra dix ans à se concrétiser. « C’est le projet qui m’a demandé le plus de travail et qui m’a le plus exalté », confie-t-il. « C’est aussi celui qui ressemble le plus à l’idée que je me faisais du métier que je rêvais de faire quand j’avais 12 ans. » Coécrite avec

Olivier Demangel, la série Tapie, diffusée sur Netflix, remporte un immense succès public et critique.

Entretemps, Tristan Séguéla aura réalisé Rattrapage (2017), autre comédie régressive qui, malheureusement, ne trouve pas son public. Puis, il écrit et réalise Docteur ? (2019), avec Michel Blanc, qui connaît un joli succès en salles, et Un homme heureux (2023), qui réunit Fabrice Luchini et Catherine Frot. Son dernier film, Mercato, autour d’un agent de joueurs de football à la dérive, est sorti en salles cette année. Porté par Jamel Debbouze, le projet est accueilli par le réalisateur comme un « véritable cadeau. » Un film, construit comme un thriller extrêmement soigné, qui révèle Jamel Debbouze dans un registre totalement inédit.

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Publiée le 28 April 2025

Les super-héros et le cinéma, c’est une histoire d’amour compliquée. Un peu comme un couple qui traverse les années avec des hauts, des bas et des phases de pure expérimentation. Aujourd’hui, le genre est omniprésent, mais il n’a pas toujours été aussi bien installé. Mini retour sur l’évolution du super-héros au ciné, des débuts sérieux aux dérives du multivers où tout est possible (pour le meilleur et parfois pour le pire). 

 

2002 : Spider-Man de Sam Raimi – Le début d’une ère 

Avant le MCU, les films de super-héros, c’était un pari risqué. Et puis Sam Raimi a débarqué avec son Spider-Man et Tobey Maguire en costume moulant. On y trouve des effets pratiques bluffants (à l’époque), une BO de Danny Elfman qui résonne encore dans nos têtes et surtout un Peter Parker hyper dramatique, tiraillé entre ses responsabilités et ses galères sentimentales. Les scènes d’action sont fluides, le Bouffon Vert de Willem Dafoe est iconique, et le film prouve que oui, un héros en costume peut cartonner au box-office. C’est le point de départ d’un nouveau chapitre du cinéma. 

2008 : The Dark Knight – Quand Batman devient sérieux 

Christopher Nolan prend Batman et décide de lui retirer tous ses gadgets un peu kitsch pour en faire une figure plus ancrée dans la réalité. Exit les super-pouvoirs, place à un thriller criminel sombre qui ressemble plus à un film de Scorsese qu’à un blockbuster Marvel ou DC. Mais la vraie star du film, c’est Heath Ledger en Joker. Il vole la vedette à tout le monde avec une performance hallucinante, devenant la version définitive du Clown Prince du Crime. À partir de là, le super-héros devient plus qu’un divertissement : il peut être une vraie œuvre cinématographique, acclamée par la critique et surtout il ouvre le monde aux anti-héros. 

2012 – 2019 : Le MCU prend tout et ne laisse que des miettes 

Le game change complètement en 2012 quand Avengers débarque. Bon il y avait aussi Iron Man en 2008 qui a vraiment lancé le MCU et puis Captain America et Thor mais on va plus se concentrer sur les Teams Up.  Donc avec “Avengers”, on assiste à un crossover épique où plusieurs héros issus de films différents partagent le même écran. Le public est en délire. Marvel Studios enchaîne ensuite avec une stratégie ultra-millimétrée : chaque film prépare le suivant, chaque scène post-générique tease une intrigue plus grande encore. Le point culminant de cette saga titanesque ? Avengers: Endgame, un véritable phénomène culturel qui a transformé les salles de cinéma en véritables arènes de supporters en délire. Le moment le plus iconique ? Lorsque tous les héros réunis surgissent à travers les portails pour affronter Thanos dans une bataille dantesque. Une scène gravée dans l’histoire du blockbuster moderne, où chaque apparition déclenchait des hurlements de joie. 

Petit fun fact : Anthony Mackie, alias Sam Wilson, a enregistré son légendaire “On your left” sous une simple couverture chez lui, à la demande des frères Russo, qui voulaient garder le secret jusqu’au bout. Comme quoi, derrière la plus grande réunion de super-héros du cinéma, il y avait aussi un bon vieux système D. 

2021 et après : le multivers en roue libre 

Mais malheureusement l’Age d’or des super-héros passe et le public commence à se lasser, Marvel et DC sortent l’arme ultime : le multivers. Là où tout devient possible. Dont ramener des personnages morts ? (easy).  Faire cohabiter trois versions de Spider-Man dans le même film ? Carrément.  Manipuler le temps, l’espace et les réalités alternatives ? C’est devenu la norme. Une astuce bien pratique pour ramener les visages iconiques qui ont forgé la légende de Marvel (et de DC aussi, même s’ils ont décidé de remplacer Superman… avouons-le, Henry Cavill restait le meilleur choix). Le problème, c’est qu’à force de tout rendre possible, le super-héros perd en impact émotionnel. Pourquoi pleurer la mort d’un personnage s’il peut revenir par un tour de passe-passe dimensionnel ?  

Actuellement, on sent que l’industrie cherche un nouveau souffle, peut-être plus proche des films des années 2000 : des récits plus personnels, moins d’explosions, plus d’émotions. Et si le super-héros de demain était moins une icône cosmique et plus un humain ordinaire avec des failles (Bucky? Yelena, Bob) ? Parce qu’au final, ce qu’on aime dans les super-héros, ce n’est pas leurs pouvoirs, c’est leur humanité. 

 

Thunderbolts, bientôt au cinéma !

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Publiée le 18 April 2025

Qui n’a jamais regardé un film et senti son cœur s’accélérer à la première note de musique, ou sa gorge se serrer à l’apparition d’une mélodie tristement familière ? La musique au cinéma ne se contente pas de remplir le vide sonore. Elle guide les émotions, soutient le rythme de la narration, et parfois même fait office de personnage à part entière. Mais au-delà de son aspect pratique, la musique dans un film est un outil puissant qui peut influencer la manière dont nous ressentons l’histoire, le message, et même les personnages. 

 

La musique : une traduction émotionnelle 

Imaginez un instant la scène d’ouverture de Star Wars sans la fameuse John Williams March. Plutôt qu’un appel à l’aventure, ce serait un simple générique de début, fade et sans âme. Ce thème musical est tellement lié à l’univers de Star Wars que dès que les premières notes résonnent, on sait exactement ce qui va suivre : une épopée de science-fiction épique, avec des batailles, des héros et des rebelles (et des Daddy Issues pour certains personnages). 

Dans des films comme Pulp Fiction de Quentin Tarantino, la bande-son est tout aussi déterminante. Tarantino utilise la musique non seulement pour accentuer l’impact des scènes, mais aussi pour construire l’identité de ses personnages. La musique dans ses films devient un moyen de communication, un langage que le spectateur comprend instantanément, souvent plus que les dialogues eux-mêmes. 

Les effets psychologiques de la musique sur le spectateur sont évidents. Un film d’horreur ne serait pas aussi effrayant sans une musique inquiétante (merci, Psycho), un drame romantique aurait du mal à toucher les cœurs sans une mélodie douce et émotive. C’est la puissance de la bande-son : elle manipule notre perception de l’image, renforce la tension, la tristesse, l’excitation, et même l’humour.  

Le lien avec le public

Un autre aspect intéressant de l’utilisation de la musique dans les films modernes est la manière dont elle crée un lien avec le public. Dans un blockbuster comme Guardians of the Galaxy, la bande-son est utilisée pour jouer sur la nostalgie des spectateurs. Chaque chanson, en plus de son rôle dans l’histoire, évoque un souvenir commun de l’époque où elle a été popularisée. La musique devient alors un pont entre les personnages du film et nous, les spectateurs, renforçant l’attachement à l’histoire. Cette technique est également utilisée dans L’Amour Ouf de Gilles Lellouche, qui joue avec la nostalgie à l’écran mais aussi avec le son et les musiques comme The Cure ou autres…. 

Les innovations technologiques ont aussi permis d’étendre l’impact de la musique. Avec des systèmes comme le Dolby Atmos, les bandes-son ne se contentent plus de remplir l’espace sonore en deux dimensions. Elles deviennent des éléments immersifs, englobant le spectateur dans l’univers du film. Vous ne regardez plus seulement un film, vous y êtes plongé. 

En conclusion, la musique au cinéma n’est pas qu’une simple touche de fond. Elle est essentielle pour la construction de l’atmosphère, la narration, et l’émotion. Elle transforme une simple scène en un moment inoubliable et renforce l’impact du film sur le spectateur. Les films modernes, avec leurs technologies innovantes, ont rendu la musique encore plus omniprésente et influente. C’est cette relation intime entre la musique et le spectateur qui rend l’expérience cinématographique si unique. Donc choisissais bien votre musique de court-métrage les copaings ! 

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Publiée le 2 April 2025

Si Gilles de Maistre a sans doute été profondément marqué, enfant, par son grand-oncle René Clément qui l’accueillait sur ses tournages, comme Paris brûle-t-il ? (1966), il entame sa carrière comme reporter et documentariste pour la télévision : il sillonne la planète pour alerter le grand public sur les guerres, les famines, et les catastrophes naturelles. En 1990, il décroche le prestigieux prix Albert-Londres de l’audiovisuel pour son documentaire J’ai 12 ans et je fais la guerre. Pendant quatre ans, il s’emploie à dénoncer les violences infligées aux enfants à travers le monde – qu’ils soient soldats, délinquants, emprisonnés, surdoués ou surprotégés. « Ma vie, c’est de partir avec une caméra, tout seul, et de courir le monde pour rencontrer des gens et raconter le réel », confie-t-il. « J’ai été beaucoup marqué par Au revoir les enfants (1987) de Louis Malle. C’est un film bouleversant dans sa pudeur et sa sensibilité qui m’inspire beaucoup dans la façon de traiter les sujets avec humanité et sans démagogie. ».

 

En 1994, il passe à la fiction avec son premier long métrage, Killer Kid, autour d’un jeune Libanais d’une dizaine d’années vendu par sa famille à un groupe terroriste qui compte faire de lui un tueur sans état d’âme. Également producteur, il accompagne Bouge ! (1997) et Dissonances (2003) de Jérôme Cornuau et des séries télé comme Brigade des mineurs de Miguel Courtois. En 2001, il signe son deuxième long métrage, Féroce, qui évoque l’extrême-droite et provoque quelques remous à l’occasion de l’élection présidentielle de 2002. Toujours fidèle à l’écriture du réel, il continue à produire et réaliser des documentaires, comme Le Premier cri (2007) qui s’attache à la maternité d’une dizaine de femmes de pays différents. Deux ans plus tard, il décroche le prix du jury au festival de la fiction de La Rochelle pour son premier téléfilm, Grands reporters, qui inaugure une nouvelle manière de réaliser de la fiction, en la plongeant dans le monde réel. « Même quand je tourne un gros film avec une équipe de cinquante personnes », dit-il, « mon but c’est de raconter quelque chose qui est inspiré par la vérité et par le monde qui nous entoure. »

 

Entre 2009 et 2012, il signe le portrait de personnalités, comme Jane Birkin ou Bernard Arnault, tout en continuant d’être inspiré par l’enfance à travers les documentaires qu’il leur consacre, comme Adopte-moi, Petits princes ou Alerte enfants disparus. En 2015, il entreprend un projet très ambitieux, tourné en Afrique du Sud, autour de l’amitié entre une petite fille et un lion : Mia et le lion blanc nécessitera trois ans de tournage, sans effets spéciaux, pour installer une véritable relation entre la jeune comédienne et le fauve. Le réalisateur s’explique : « Comme rien n’est truqué, le dispositif crée quelque chose de charnel, d’émotionnel, d’organique, qu’on ne peut pas recréer avec des effets spéciaux. » Sorti en salles en 2018, le film enregistre 1,5 million d’entrées en France et s’impose comme le plus gros succès français à l’étranger en 2019 avec plus de 6 millions d’entrées !

En 2018, Gilles de Maistre s’associe avec Mediawan pour créer une ligne éditoriale ambitieuse qui lui permet de développer Le Loup et le lion (2021), grande aventure familiale se déroulant au Canada, autour de l’amitié improbable entre ces deux prédateurs. Le film remporte de nouveau un très grand succès et se classe dans le Top 10 aux États-Unis au moment de sa sortie. Ne renonçant jamais au documentaire, le réalisateur tourne Demain est à nous (2019) qui s’attache à des enfants se battant, aux quatre coins de la planète, contre l’injustice et les souffrances dont ils sont les victimes. En 2024, il revient à la fiction avec Le Dernier jaguar qui dénonce le trafic d’animaux et la déforestation en Amazonie.

Avec Moon le panda, sorti le 9 avril 2025, Gilles de Maistre poursuit son cycle d’aventures entre enfants et animaux. Tout premier film à faire tourner des pandas depuis au moins vingt ans, Moon, tout comme Mia et le lion blanc, a été entièrement réalisé, en Chine, sans le moindre trucage. Une vraie prouesse en soi. « Début 2024 marquait le 60ème anniversaire des relations diplomatiques franco-chinoises », raconte Gilles de Maistre. « Macron est venu en Chine et a favorisé la mise en place de coproductions entre nos deux pays. Puis, mon parcours a rassuré les autorités et le scénario leur a plu : non seulement il milite pour la protection des pandas, mais le héros est lui-même franco-chinois. Sans compter qu’il est joué par le fils d’une star de cinéma et d’une chanteuse française, très connue là-bas. Miracle supplémentaire : le petit garçon a tout de suite connecté avec les pandas sans grande préparation. Les autorités chinoises nous ont donné l’autorisation de tourner dans le Sichuan – même si, jusqu’à la veille du tournage, on n’était pas à 100% certain d’avoir accès aux pandas !»

 

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